Luis Agulló, en su estudio a las afueras de Madrid. Foto por Miguel Sagaz.

Today, technology, social networks, and the speed with which we live, impact the way we perceive the world around us, and therefore Art. However, talking with Luis Agulló is like entering a time capsule, where the noise of all these factors is put on pause, giving prominence to chivalry, friendliness, humor, and simplicity. Qualities that reflect his enormous talent with neon tones.

On this occasion, I find myself in Madrid, a city where half of my family and half of my identity live. Cradle of great masters such as Goya and Velázquez, although my focus on this occasion is on the new generation of Spanish artists. This is the case of Luis Agulló, who, for the purposes of this interview, opens the doors of his house to me, just twenty minutes from the Spanish capital.

With a small adequate studio in the garage of his house, and a creative area on the top floor, he enthusiastically tells me about the process of creating his works. “In the beginning, I collected the wooden pallets from the street, and it was really what gave me an initial identity,” says Agulló, who collected his first pallets to put some wheels on them so he could transport a piece of furniture. "I realized that I could paint on wooden palettes, and that's how this adventure began."

He studied Transportation Design at the IED in Turin, Italy, and it is in 2005 that he wins the prestigious Ferrari International Award for “New Concepts Of The Myth”.

It is really refreshing to see how an artist who was chosen (along with his thesis partner) by Ferrari, to be part of the design team of such a prestigious brand, can maintain such a balance between genius and modesty.

Although he does not usually name his paintings, one of his favorites is called Silvia, (from the Skyline series), and with good reason, since he shares his life with the renowned designer Silvia Gali. And it only took one afternoon with this pair of geniuses to realize the impact they have one over the other. Not only on a personal level but how their relationship influences and contributes to the artistic and creative vision of both. With neon colors, the work 'Silvia' does not go unnoticed, filling the most avid collector and lover of conceptual art with magic and impact.

Another detail of his works is that he uses local wood depending on where he lives. Agulló states "the wood available in Marbella has nothing to do with the wood in Valladolid or Madrid". What he enjoys most about being an artist is having the time to work with him. “I enjoy being able to be mobile, and above all knowing that one day I can work, and another I can just spend thinking”. Although his art gives the impression of being somewhat random, Agulló assures that every stain, every line, and every millimeter separation of palettes are meticulously premeditated.

Luis Agulló considers himself a rebel in his field, because, like great masters in his field, he has always followed his creative instinct. The instinct that has led him to break the rules and the status quo. "I studied architecture for a year in Madrid and they expelled me from the university because they told me I didn't know how to draw." And although he humbly does not blame the institution, he affirms that many times this type of situation is due to differences of opinion and points of view.

“For me, school drawing felt limiting. And when I made the transition to car design, the same thing happened to me. I design with emotions and that is what I capture in the sketches”.

For Agulló, lines and volume reflect speed, intensity, and sobriety. And with just 5 or 6 lines, he managed to communicate the complexity of his design. His interest in urban art and architecture lead Luis Agulló to create two worlds that are conceptually opposite but that always coexist.

This series of works presents the relationship between graffiti and architecture. A symbiotic relationship where one cannot exist without the presence of the other. Coexistence that appears invasion, but that co-exists with impulsive gestures and minimalist strokes, always accompanied by a meditative and very well-defined process.

At the beginning of his creative process, his paintings presented a certain rigidity, structure, and the need to find perfection. However, we see a clear evolution in his works where he loses fear and finds freedom in contrast, randomness, and the indefinite. Although he confesses to me “I always look for my work to be balanced. Although it seems chaotic, if I turn the painting around to see it in another way, I notice that it is not my intention. The painting has its own meaning, and I like to respect it”.

Since he was a child he declared himself a lover of other worlds, extra-terrestrials, and science fiction. This avid interest has ironically impacted his works. But he assures me that he paints for himself since it gives him immense satisfaction.

When I asked Luis what contribution he would like to leave to the art world or how he would like to be remembered, he shares “More than a specific work of mine, I would like to be remembered for having freed the prejudices that exist with art. many times. Don't be afraid to be artists." For Agulló, success is “being able to do whatever you want”. However, he recognizes that public recognition represents success in art since the works rise in value.

Within his evolution and creative process, Luis Agulló has explored the concept of “Querencia” in his works. The concept that describes the tendency of animals or things to return to their place of origin. And it is with this romantic basis that he analyzes the effects produced by the shadows of his sculptures (many of them worked with wire) on the wooden palette. Although at first glance the wire is considered the main work, it is really the shadow that gains prominence. And just as the horse has the 'want' to return to the stables, Agulló felt the urge to return to wood, and not abandon it, at least for a while longer.

And so, closing an extremely pleasant and colorful afternoon, Agulló says that his greatest monster is honesty. The honesty of being true to what you want to do and not what you feel you should do. "The greatest success of succeeding is in the freedom to be able to do what you want (in artistic terms), without having to explain or justify the work."

For Luis Agulló, the concept of judgment is recurring in nature and he hopes that people “can assess the work according to a personal connection. Because of what they are, and not because of where they are placed in terms of social prejudices”.

His work can be found in private art collections in Spain, Switzerland, Italy, France, Norway, Mexico, and Dubai among many others. www.LuisAgullo.com Article published in Hotbook.mx https://hotbook.mx/luis-agullo-magia-impacto-y-colores-neon/

Hoy en día, la tecnología, las redes sociales, y la velocidad con la que vivimos, impacta la manera en que percibimos al mundo que nos rodea, y por ende al Arte. Sin embargo, platicar con Luis Agulló, es como entrar en una cápsula del tiempo, dónde el ruido de todos estos factores se pone en pausa, dándole protagonismo a la caballerosidad, la simpatía, el humor, y la sencillez. Cualidades que resaltan con tonos neón
su inmenso talento.

En esta ocasión, me encuentro en Madrid, ciudad dónde vive la mitad de mi familia y la mitad de mi identidad. Cuna de grandes maestros como Goya y Velázquez, aunque mi enfoque en esta ocasión es con la nueva generación de artistas españoles. Este es el caso de Luis Agulló, quien para propósitos de esta entrevista, me abre las puertas de su casa, a tan solo veinte minutos de la capital española.

Con un pequeño estudio adecuado en el garage de su casa, y un área creativa en la última planta, me cuenta con entusiasmo el proceso de creación de sus obras. “Al principio, recogía de la calle los palettes de madera, y realmente fue lo que me dio una identidad inicial” comenta Agulló, quien recogió sus primeros palettes para ponerle unas ruedas y así poder transportar un mueble. “Me di cuenta que podía pintar sobre los palettes de madera, y fue así como empezó esta aventura”.

Realizó sus estudios de Transportation Design en el IED de Turín, Italia, y es en 2005 cuándo gana el prestigioso premio Internacional de Ferrari “New Concepts Of The Myth”.

Es realmente refrescante ver como un artista quien fue elegido (junto con su compañero de tesis) por Ferrari, para ser parte del equipo de diseño de tan prestigiosa marca, puede mantener tal balance entre la genialidad y la modestia.

Aunque no suele nombrar a sus cuadros, uno de sus consentidos se llama Silvia, (de la serie Skyline) y con buena razón ya que comparte su vida con la reconocida diseñadora Silvia Gali. Y no faltó más que una tarde junto a este par de genios, para darme cuenta el impacto que tienen

el uno sobre el otro. No solo en tema personal, pero como su relación influye y aporta a la visión artística y creativa de ambos. Con colores neón, la obra ‘Silvia’ no pasa desapercibida, llenando de magia e impacto al mas ávido coleccionista y amante del arte conceptual.

Otro detalle de sus obras es que utiliza madera local dependiendo el lugar dónde vive. Agulló afirma “la madera disponible en Marbella, no tiene nada que ver con la madera de Valladolid, o Madrid”.
Lo que más disfruta de ser artista es disponer del tiempo para trabajar con el. “Disfruto

poder tener movilidad, y sobre todo el saber que un día puedo trabajar, y otro puedo solamente dedicarlo a pensar”. Aunque su arte da la sensación de ser algo aleatorio, Agulló asegura que toda mancha, toda línea, y cada separación milimétrica de palettes son meticulosamente premeditados.

Luis Agulló se considera un rebelde en su campo, pues al igual que grandes maestros de su medio siempre ha seguido su instinto creativo. Instinto que le ha llevado a romper las reglas y el ‘status quo’. “Estudié un año de arquitectura en Madrid y me expulsaron de la universidad, pues me decían que no sabía dibujar”. Y aunque humildemente no culpa a la institución, afirma que muchas veces este tipo de situaciones se deben a diferencias de opinión y puntos de vista.

“Para mi el dibujo de escuela, me limitaba. Y cuándo hice la transición al diseño de coches, me pasaba lo mismo. Yo diseño con las emociones y eso es lo que plasmo en los bocetos”.

Para Agulló, las líneas y el volumen trasmiten velocidad, intensidad, o sobriedad. Y con tan solo 5 o 6 líneas, lograba comunicar la complejidad de su diseño.

Su interés por el arte urbano y la arquitectura, llevan a Luis Agulló a crear dos mundos que conceptualmente son opuestos pero que siempre conviven. Esta serie de obras presenta la relación entre el graffiti y la arquitectura. Relación simbiótica dónde una no puede existir sin la presencia de la otra. Convivencia que aparenta invasión, pero que co-existen con gestos impulsivos y trazos minimalistas, siempre acompañados de un proceso meditativo y muy bien definido.

Al inicio de su proceso creativo, sus pinturas presentaban cierta rigidez, estructura y necesidad de encontrar la perfección. Sin embargo, vemos una clara evolución de sus obras dónde pierde el miedo y encuentra libertad en el contraste, lo aleatorio, y lo indefinido. Aunque me confiesa “Siempre busco que mí obra esté equilibrada. Aunque parezca un caos, si le doy la vuelta al cuadro para verlo en otro sentido, yo noto que no es mi intención. El cuadro tiene sentido propio, y me gusta respetarlo”.

Desde pequeño se declaró amante de otros mundos, de los extra-terrestres y de la ciencia ficción. Este ávido interés ha impactado con ironía sus obras. Pero me asegura que el pinta para el, ya que le genera una inmensa satisfacción.

Cuándo le pregunto a Luis, que aportación le gustaría dejar al mundo del arte o cómo le gustaría que lo recordaran, me comparte “Más que por una obra mía en concreto, me gustaría que me recordaran por haber liberado los prejuicios que existen con el arte muchas veces. Que no tengan miedo de ser artistas”.

Para Agulló, el éxito es “poder hacer lo que te de la gana”. Sin embargo reconoce que el reconocimiento público representa éxito en el arte, pues las obras suben de valor.

Dentro de su evolución y proceso creativo, Luis Agulló, ha explorado el concepto de “Querencia” en sus obras. Concepto que describe como la tendencia que tienen los animales o las cosas de volver a su lugar de origen. Y es con esta base romántica, que analiza los efectos que producen las sombras de sus esculturas, (muchas de ellas trabajadas con alambre) sobre el palette de madera. Aunque a simple vista el alambre es considerado la obra principal, es realmente la sombra la que gana protagonismo. Y así como el caballo tiene la ‘querencia’ de volver a los establos, Agulló sintió la querencia de volver a la madera, y no abandonarla, al menos durante un tiempo más.

Y así, cerrando una tarde sumamente agradable y llena de color, me confiesa Agulló, que su mayor monstruo es la honestidad. La honestidad de ser fiel a lo que quiere hacer y no lo que siente que debe de hacer. “El mayor éxito de triunfar está en la libertad de poder hacer lo que quieres (en términos artísticos), sin tener que dar explicaciones o justificar el trabajo”. Para Luis Agulló, el concepto del juicio es de carácter recurrente y anhela que la gente “pueda valorar las obras de acuerdo a una conexión personal. Por lo que son, y no por dónde están colocadas en términos o prejuicios sociales”.

Su obra se encuentra en colecciones privadas de Arte en España, Suiza, Italia, Francia, Noruega, México y Dubai entre muchos otros. www.LuisAgullo.com

Artículo publicado en Hotbook.mx https://hotbook.mx/luis-agullo-magia-impacto-y-colores-neon/